«Культура России второй половины XVIII века» МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ. НА ТЕМУ: «Культура России второй половины XVIII века». Введение. Так сложилось, что человек живёт в обществе и не может существовать без него, поэтому всё связанное с обществом влияет на нашу жизнь. Каждому известно, что всё, что нас сегодня окружает, появилось не просто так, не из воздуха. В течение многих веков, прикладывая колоссальные усилия, человек преобразовывал мир вокруг себя, стараясь сделать свою жизнь лучше. Постепенно происходило изменение облика каждого государства, в том числе России. Менялись ценности, привычки, вкусы, а также взгляды на мир. Результатом этих изменений стало то, что мы сегодня видим вокруг нас. Но в настоящее время многие люди живут лишь сегодняшним днём, предпочитают думать о будущем. Мало кого интересуют проблемы, имевшие место там, в далёком прошлом. Мало кто знает истоки русской культуры, этапы её развития, периоды застоя и процветания, какие-то переломные моменты. Одним из таких моментов стал XVIII век, особенно его вторая половина. На мой взгляд, тема культуры второй половины XVIII столетия имеет большое значение, поскольку именно в этот период происходят радикальные изменения во многих областях науки, в том числе химии и биологии. Развивается театральное искусство, которое постепенно отступает от традиций классицизма, игра актёров становится более естественной. Происходят перемены и в прикладном искусстве, которое теперь ориентировано на потребности более широкого круга людей. Список новшеств можно продолжать и продолжать. На мой взгляд, именно изменения, имевшие место во второй половине XVIII века, заложили некоторые основы современного искусства. Это и говорит о том, что выбранная мною тема не только имеет большое значение, но и является актуальной, потому что основы культуры своего народа нужно знать всегда. Главной задачей моей работы было достаточно подробное рассмотрение основных областей русской культуры второй половины XVIII столетия с целью составления наиболее полной картины. В связи с этим возникла другая задача – внимательно ознакомиться со всеми источниками, чтобы выбрать самые важные положения. Для выполнения работы я использовала пособие для подготовки к экзаменам по истории, а также такие книги, как «История русской культуры» (Берёзовая Л. Г., Берлякова Н. П.), «История русского искусства», а также «Очерки русской культуры XVIII века». Эта литература содержит большое количество информации по выбранной мною теме, поэтому позволяет в доступной форме преподнести материал. Также стоит сказать о том, что в перечисленных источниках рассматривается культура России в процессе развития, что помогает определить, какие же перемены произошли в той или иной её области. Я также пользовалась Толковым словарём Ожегова и словарём Зеновича, так как они позволили объяснить некоторые непонятные термины, которые использовались в книгах. Приступим к рассмотрению русской культуры во второй половине XVIII столетия. Архитектура. Вторая половина XVIII века внесла в архитектуру России некоторые новые элементы. Необходимость изменений в строительстве была обусловлена успехами в развитии науки, ростом торговли и промышленного производства, а также урбанизационными процессами, то есть увеличением числа городов и их размеров. Перед архитекторами того времени стояло несколько задач, причём одной из важнейших являлась необходимость радикального изменения во внешнем облике зданий. Дело в том, что принципы архитектуры, имевшие место в середине XVIII века и ориентированные на дворцовые и церковные сооружения, не подходили для масштабного строительства. Вспомните уникальные формы таких творений Растрелли, как Екатерининский дворец (1752 – 1756) в Царском Селе, Зимний дворец (1754 – 1762), Смольный монастырь (1748 – 1764) в Петербурге. Во второй половине XVIII века требования несколько изменились. Теперь зодчие стали обращаться к наследию античной классики, в первую очередь древнеримской, от которой они брали ордера[1] , воспроизводимые с соблюдением правильности соотношений и деталей. Именно эти сочетания несущих и несомых частей стоечно-балочной конструкции стали основным средством тектонического[2] решения и фасадов, и интерьеров. Архитекторы того времени должны были также соблюдать гармоничность пропорций в отношении не только общих объёмов, но и отдельных элементов тех или иных сооружений. Впоследствии разработанная на основании обращения к античности совокупность архитектурных приёмов стала называться русским классицизмом. Уже с начала 1760-х годов в ряде русских городов, особенно крупных, развернулись масштабные градостроительные работы. Говоря о Петербурге, стоит отметить, что достаточно большое значение имели работы, связанные с регулированием берегов Невы и других рек, проведением новых каналов, строительству набережных и каменных мостов. Не меньшее внимание уделялось разработке системы площадей в центре города. В той части Москвы, где раньше располагались старые крепостные стены Белого города, появилось несколько широких бульваров. Немалое строительство было развёрнуто в Ярославле и в Твери, где был реконструирован весь центр города. Наряду с масштабным строительством в русских городах, в том числе небольших по размеру, имело место и сооружение зданий нового назначения. Примером может послужить огромное здание Академии художеств (1764 – 1772), возведённое на берегу Невы А. Ф. Кокориновым и Ж.-Б. Вален-Деламотом. В Москве же было построено обширное здание Воспитательного дома. Несмотря на наличие в схемах решений этих зданий большого числа элементов, напоминающих прежние дворцовые сооружения, нельзя сказать, что архитекторы не разрабатывали какие-то новые приёмы, не создавали более рациональные, а значит, и удобные, планы. Наоборот, в зданиях второй половины XVIII века было много нового. Их внешний облик решён по-другому, что проявляется в строгих и простых формах. Вообще своеобразная сдержанность и простота являются характерными чертами многих других сооружений того времени. Вспомните, например, построенный архитектором Ринальди Мраморный дворец (1768 – 1785), расположенный в центральной части Петербурга. Фасады этого здания отличаются гармоничностью пропорций, чёткостью архитектоники. Стоит отметить, что то, что было намечено в работах шестидесятых годов восемнадцатого столетия, впоследствии раскрылось в творчестве ведущих архитекторов той эпохи – Баженова, Казакова, Старова, Чарльза Камерона, а также уроженца Северной Италии Джакомо Кваренги. Рассмотрим, какой вклад сделали эти именитые зодчие в развитие русской архитектуры. Крупные постройки и проекты Василия Ивановича Баженова связаны в основном с Москвой. Особенно большое значение принадлежит проекту Кремлёвского дворца и проводимому в Царицыне строительству. С 1768 по 1773 год Баженов возглавлял Модельный дом, где и велась работа над проектом нового Кремлёвского дворца, который предположительно должен был охватить весь кремлёвский холм. Разрабатывая план, архитектор выдвигает на первое место решение общих задач планировки, намечает создание на территории кремлёвского холма системы площадей и проездов, которые бы объединяли отдельные участки, при этом учитывает особенности местности. Были задуманы в связи с новым зданием дворца и корпуса административных учреждений Москвы. Хотя проект Баженова так и не осуществился, созданная им модель сильно повлияла на дальнейшее развитие архитектуры конца XVIII века. Что касается строительства ансамбля в Царицыне, то и в этом случае Баженов попытался по-новому решить поставленную перед ним задачу. В качестве черты, которая отличает данный архитектурный ансамбль от дворцовых сооружений середины века, предстаёт «живописный пейзажный парк с размещёнными в нём небольшими павильонами, органически связанными с теми конкретными участками, на которых они возведены».[3] Зодчий, разрабатывая планы, пытался развивать прежние (древние) традиции московского зодчества. Среди московских построек, выполненных по проектам Баженова, особенно выделяется бывший Пашков дом (1784 – 1786), сейчас старое здание Библиотеки имени Ленина. Помимо Баженова в Москве работал Матвей Фёдорович Казаков, начавший свою деятельность в Твери. Его самостоятельная работа началась в середине семидесятых годов XVIII века. Одной из самых выдающихся построек было здание Сената в Кремле (1776 – 1787), которое во времена Советского Союза являлось зданием Верховного Совета СССР. Архитектор сумел учесть и использовать особенности треугольного участка, на котором должно было располагаться сооружение, и смог создать такую постройку, в которой сочетаются «монументальность общего облика и парадность композиции»[4] с удобным и рациональным ланом. Впоследствии Казаков построил в Москве множество других зданий, среди которых наиболее примечательны университет и Голицынская больница – первая крупная городская московская больница. Второе сооружение относится к числу последних работ мастера и выполнено в наиболее строгом стиле. В отличие от Баженова и Казакова, которые работали преимущественно в Москве, Иван Егорович Старов проектировал в основном для Петербурга, где и находятся его важнейшие постройки, крупнейшей среди которых является Таврический дворец (1783 – 1789). В конце XVIII века участок, на котором расположено данное здание, не входил в черту города, чем и обусловлено свободное размещение дворца и наличие при нём большого парка. Таврический дворец был предназначен для различных приёмов и торжеств по случаю присоединения Крыма к России, поэтому изначально в плане предполагалось присутствие в здании парадных зданий. Таврический дворец, одновременно строгий и торжественный, являлся одним из самых значительных сооружений конца XVIII столетия. Поистине выдающимся архитектурным сооружением является и Троицкий собор Александро-Невской лавры, который также выполнен по проекту Старова. В последние два десятилетия в Царском Селе и Павловске работал Чарльз Камерон. Именно он построил Павловский дворец (1782 – 1786) и Камеронову галерею (1783 – 1786), которые отличаются изяществом отделки и чёткой архитектоникой. Нельзя не отметить то необычайное разнообразие интерьеров комнат Екатерины II в Екатерининском дворце Царского Села, которое отражается и в композиционном решении, и в используемых для облицовки материалах. Ближе к началу XIX века значительные строительные работы проводились под руководством Джакомо Кваренги. Среди множества зданий, которые были выполнены по его проектам, преобладают общественные сооружения, отличающиеся простыми формами. В качестве примеров можно привести такие сооружения, как Академия наук (1783 – 1789), Государственный банк (1783 – 1790), а также учебные заведения, больница, торговые ряды. Здание Смольного института (1806 – 1808), построенного в начале XIX века, признано одной и лучших построек Кваренги. Следует отметить, что во второй половине XVIII века значительное строительство имело место не только в городах, но и в усадьбах, где большую роль играли крепостные зодчие, которые, с одной стороны, были тесно связаны с народными традициями, и, с другой стороны, использовали новые архитектурные приёмы. Вспомните усадьбу «Останкино», которая находится под Москвой, созданную именно крепостными мастерами при непосредственном участии Аргунова, крепостного зодчего. Сделаем некоторые выводы, касающиеся развития архитектуры во второй половине XVIII века. Развитие науки, рост промышленного производства и торговли оказали влияние не только на экономическую жизнь общества, но и на культурную жизнь. Именно происходящие в стране процессы обусловили переход от одного архитектурного стиля к другому, то есть от барокко, отличающегося пышностью форм, вычурностью, к классицизму, для которого образцом художественного совершенства было искусство античности. Творениям того времени присущи простота и величие, разумное, рациональное устройство зданий, симметричность композиций, гармония пропорций. Можно сказать, что основоположниками русского классицизма стали Баженов, Казаков, Старов. Наряду с новыми архитектурными формами, которые использовались зодчими второй половины XVIII века, много нового было внесено и в паркостроение: регулярные сады, например, сменились пейзажными парками. Стоит также отметить, что в архитектуре и в её обращении к традиционному национальному зодчеству наряду с принципами, характерными для классицизма, начинают прослеживаться романтические тенденции. Скульптура . Скульптура, как и архитектура, живопись, литература конца XVIII столетия, достигает значительных успехов. Большое значение имела педагогическая деятельность француза Н.-Ф. Жилле, который был профессором Академии художеств и проработал там 20 лет. Именно по его инициативе и под его руководством формировалась коллекция слепков с произведений античности и мастеров XVI – XVIII веков. Практически все известные крупные скульпторы были учениками Жилле: Ф. И. Шубин, Ф. Г. Гордеев, М. И. Козловский, И. П. Мартос, И. П. Прокофьев, Ф. Ф. Щедрин. Рассмотрим, какой вклад внёс каждый из этих скульпторов в развитие русской культуры. Начнём с Шубина, которым была выполнена целая серия портретов, отличающаяся глубиной содержания и профессиональным мастерством. В 1775 году, после того как он вернулся в Петербург в 1773 году из поездки в Рим и Париж, где изучал античные произведения, он исполнил бюст князя А. М. Голицына, сумел запечатлеть и передать характер и внутренний мир вельможи. Непринуждённо переданы и надменная улыбка Голицына, поворот его головы. Впоследствии Шубин создал целую галерею портретов. В портрете П. А. Румянцева-Задунайского скульптор проявил достаточно редкостное умение так изобразить лицо, что даже самые отталкивающие и некрасивые черты производят хорошее, можно сказать, обаятельное впечатление. К тому же кругу произведений относятся разные, но не менее совершенные портреты М. Р. Паниной, З. Г. Чернышёва, И. С. Барышникова. Нужно отметить, что за бюст Голицына Екатерина II наградила Шубина золотой табакеркой и приказала «никуда его не определять, а быть собственно при его величестве».[5] Но от восьмидесятых годов XVIII века сохранилось значительно меньше бюстов этого скульптора, потому что в это время его внимание было сосредоточено на декоративных работах. В восьмидесятые года Шубин выполнил для Чесменского дворца целую серию портретных изображений князей, для Мраморного дворца он изготовил исторические рельефы и аллегорическую скульптуру, также исполнил скульптурное убранство Троицкого дворца Александро-Невской лавры. Что касается портретов 1790-х годов, то они отличаются глубиной и сложностью. Вспомните бюсты А. А. Безбородко, П. Шварца, Павла I, которые и свидетельствуют об этом. Если говорить о портрете М. В. Ломоносова, то стоит отметить, что данное произведение исполнено Шубиным по воображению. Портрет лишён парадности, но передаёт проникновенный ум и человечность учёного. Совсем другой художественный образ создан скульптором в изображении Павла I, композиция которого построена по законам парадного репрезентативного портрета. Скульптору удалось раскрыть образ Павла I во всей его противоречивости, что отражается в сочетании отталкивающих черт характера и величественностью данной личности. Шубин сумел буквально воспроизвести пропорции фигуры и черты лица. Скульптор, можно сказать, достиг большой глубины в воплощении характеров, что свидетельствует о его мастерстве. Большой вклад в развитие русской скульптуры внёс Фёдор Гордеевич Гордеев, всю жизнь тесно связанный с Академией художеств. Первая его самостоятельная работа, которая завершила период ученичества, – «Прометей» (1769). Она представляет собой не что иное, как пример разработки античного сюжета при помощи современных художественных средств, с использованием натурной работы. Созданные Гордеевым многочисленные скульптурные композиции и рельефы украшают различные здания Петербурга и его пригородов. К числу этих зданий относятся Академия художеств, здание Старого Эрмитажа, Казанский собор. Наиболее значительные произведения были созданы в жанре мемориальной пластики, создателем которой является он сам. В качестве примеров можно привести надгробия Н. М. Голицыной, А. М. Голицына и Д. М. Голицына. В историческом же жанре работал Михаил Иванович Козловский, на творчество которого повлияли работы Рафаэля, Пуссена и в особенности Микеланджело. Примечательно то, что Козловский очень много работал с натуры и пытался показать совершенство и красоту человека. Близость к натуре проявляется во многих произведениях скульптора, в том числе в композиции «Бдение Александра Македонского» (1780-е годы). В 1789 году, в разгар революционных событий во Франции, Козловский находился в Париже, где в 1790 году была им выполнена скульптура «Поликрат», причём следует заметить, что трагическая тема страдания царя, созвучная времени, была удачно передана скульптором. Для творчества Козловского в 90-х годах XVIII века характерно использование античных образов, наполненных современным героическим содержанием и связанных с победами русских войск. Примером может послужить созданный в 1799 году «Геркулес на коне», воспринимавшийся как символ побед Суворова в русско-австрийской кампании. Иногда в своих работах скульптор обращался непосредственно к героям русской истории («Яков Долгорукий, разрывающий царский указ», 1797 г.). Что касается знаменитой статуи «Самсон, разрывающий пасть льва», изготовленной Козловским в 1801 году, то стоит отметить, что она была предназначена в качестве декоративной группы для центрального фонтана Петергофа, а образ героя символизирует неувядающую славу русского народа. Скульптура в годы фашистской оккупации была утрачена, но в 1947 году её воссоздали. В конце жизни Козловский приходит к большим формам пластики и ярче всего, пожалуй, проявляет своё мастерство в памятнике А. В. Суворову (1800 – 1801), в котором скульптором передано лишь отдалённое сходство героя, изображённого в облике бога войны Марса в античных доспехах и шлеме, с полководцем. Все детали указывают на героический характер Суворова. Другой известный скульптор, по имени Феодосий Фёдорович Щедрин, учился в Академии художеств у Н.-Ф. Жилле, а после получения золотой медали за рельеф «Изяслав Мстиславович на поле брани» был отправлен в поездку в Италию и Францию. По возвращении в Петербург в 1785 году Щедрин начал преподавать в Академии художеств. Из ранних творений скульптора наиболее известны «Марсий» (1776), « Спящий Эндимион» (1779). К крупнейшим работам, выполненным скульптором после возвращения из-за границы, относятся статуи «Венера» (1792) и «Диана» (1798). Щедрин принимал активное участие в замене скульптуры большого каскада Петергофа. Им исполнены группы сирен, статуи Персея и Невы. Можно сказать, что скульптор достигнул сочетания жизненной правды и декоративности, сумел связать пластику с окружающей природой и архитектурным ансамблем. Новые принципы связи пластического образа с архитектурой, которые фактически были разработаны Щедриным, нашли яркое воплощение в его скульптурах, украшающих здание Адмиралтейства в Петербурге. Выполненные им «Морские нимфы»[6] отличаются своей монументальностью и гармоничностью и символизируют величие России как морской державы, а также передают идею торжества человека над силами природы. Большое влияние на развитие скульптуры оказали работы Прокофьева, который за выполненную группу «Актеон, преследуемый собаками» получил звание академика. За годы творческой деятельности, отличающейся разнообразием, скульптором было создано более 400 произведений станковой и декоративной скульптуры. Прокофьев работал также в технике терракоты[7] , создав в 1800 году парные бюсты А. Ф. Лабзиных. Он, как и все крупные скульпторы конца XVIII века, принимал участие в оформлении Казанского собора, для которого выполнил фриз «Медный змий». Рельефы Прокофьева украшают также интерьеры Академии художеств, которую он закончил в 1779 году, Павловский дворец. Для фонтанов Петергофа скульптором вылеплены «Пастушок Акид», «Волхов» и тритоны. Если говорить в общем о скульптуре во второй половине XVIII века, то следует отметить, что развиваются все её виды и жанры: и монументальная скульптура, и медальерное искусство[8] , и садово-парковая пластика. Скульптурный портрет – это новое явление в русском изобразительном искусстве того периода. Ярчайшим представителем в этой области был Шубин, создавший галерею выразительных скульптурных портретов А. М. Голицына, М. Р. Паниной, И. Г. Орлова, М. В. Ломоносова. Нужно отметить, что не только в архитектуре, но и в скульптуре барочные формы сменились системой приёмов, характерных для классицизма. Представителями классицизма были такие скульпторы, как Щедрин, Козловский. В конце XVIII века создаются украшения многочисленных архитектурных сооружений. Используя чаще всего мифологические сюжеты, русские скульпторы второй половины XVIII века утверждают философско-этические идеи. Особенностью является то, что скульпторы выражают в художественных формах идеалы своего времени, но в то же время сохраняют конкретность образного мышления и ощущение натуры. Во второй половине XVIII столетия даже произведения, выполненные иностранными мастерами, созвучны духу эпохи. Вспомните открытый в 1782 году памятник Петру I Э.-М. Фальконе, так называемый «Медный всадник». Скульптор изобразил императора преобразователем государства, сумел выразить его историческую роль так, как понимали её современники Петра Великого. Живопись. Историческая живопись. По понятиям, имевшим место в XVIII веке, только исторический жанр был способен запечатлеть героические образы прошлого, величайшие события мировой и русской истории. Именно по этой причине Академия художеств в Петербурге, заботившаяся о развитии этого жанра, поощряла творчество живописцев, творивших на исторические, библейские, античные и мифологические темы. Постепенно русскими живописцами были выработаны композиционные принципы построения исторической картины, заключавшиеся в том, чтобы уделять большого внимания одежде, обстановке и, конечно же, передаче характеров героев, действующих лиц. Колорит таких картин отличался подчёркнутой условностью цвета, но при этом художники обычно стремились к простоте и естественности. Среди произведений исторического жанра особенно выделяется мозаика «Полтавская баталия», которую под руководством Ломоносова выполнили русские мастера, продолжая развивать монументальные традиции древнерусского искусства. Одним из крупнейших исторических живописцев считается Антон Павлович Лосенко, который по окончании Академии художеств был послан во Францию и Италию. Вернувшись в Петербург в 1769 году, он стал профессором, а позднее директором Академии. Достаточно долгое время картины и рисунки Лосенко, к числу которых относятся «Жертвоприношение Авраама», «Каин», «Авель», пользовались большим успехом, служили образцами мастерства и копировались его учениками. В наибольшей степени дарование художника раскрылось в его двух последних произведениях – «Владимир и Рогнеда» (1770) и «Прощание Гектора с Андромахой» (1773). Работая над картиной «Владимир и Рогнеда», для изображения русских воинов Лосенко использовал серию натурных рисунков. Хотя в позах и жестах действующих лиц, их костюмах много условного, всё-таки можно говорить о том, что художник сделал первый шаг к воплощению человеческих страстей. В «Прощании Гектора с Андромахой» Лосенко избрал античный сюжет и выступил как мастер классицизма. В этом произведении фактически утверждается идея свободолюбия человека, его патриотизм, гражданственность и постоянная готовность к совершению подвигов. Именно таким показан Гектор – герой «Илиады» Гомера, идущий в бой за Трою. Из учеников Лосенко выделяются И. А. Акимов, являющийся автором ряда исторических полотен, и П. И. Соколов, почти все произведения которого созданы на темы из античной мифологии. Образы картин Соколова отличаются мягкой лиричностью и поэтической красотой, в них меньше героического, чем в творениях Соколова. После Лосенко самым известным историческим живописцем второй половины XVIII века был Григорий Иванович Угрюмов, исполнивший по возвращении из Италии, куда был направлен в пенсионерскую поездку, целую серию картин. К их числу относятся такие произведения, как « Торжественный въезд в Псков Александра Невского после одержанной им над немецкими рыцарями победы», «Взятие Казани» и «Избрание Михаила Фёдоровича на царство». На звание академика в 1797 году Угрюмов исполнил программу «Испытание силы Яна Усмаря». Здесь мы видим впечатляющий образ русского героя, чем-то напоминающего Геркулеса; живые, полные экспрессии фигуры воинов изображены в левой части картины. Угрюмов больше 20 лет преподавал в Академии художеств, и именно у него учились такие исторические живописцы начала XIX века, как А. Е. Егоров, А. И. Иванов, В. К. Шебуев, а также портретист О. А. Кипренский. Портретная живопись. Наибольших успехов русская живопись второй половины XVIII столетия достигла всё-таки не в исторической картине, а в других жанрах, например портрете. Портретное искусство в это время достигает, можно сказать, своего расцвета. Именно во второй половине XVIII века творят крупнейшие живописцы Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, В. Л. Боровиковский, которые создали великолепную галерею портретов современников. Русский портрет того периода сочетает в себе большую глубину и значительность в изображении человеческой личности, что позволило отечественным творениям занять значительное место в европейской живописи. Одним из крупнейших портретистов считается Фёдор Степанович Рокотов, который ещё в молодости получил известность как умелый и оригинальный живописец. Рокотов писал преимущественно камерные портреты. В его произведениях отразилось стремление просвещённой части русского дворянства следовать высоким нравственным нормам. Художник очень любил изображать человека без парадного окружения, не позирующим, в естественных позах. Ещё в ранних произведениях Рокотова, к которым относятся портреты великого князя Павла, девочки Е. Юсуповой, сказывается умение художника не просто правильно передать сходство, но и наделить образ одухотворённостью. В последующие годы творчество живописца расцветает ещё больше, Рокотов обогащает и усложняет колорит. В поздних портретах художник подчёркивает интеллектуальность и одухотворённость своих моделей. Среди произведений, выполненных Рокотовым, особенно выделяются портреты В. И. Майкова (конец 1760 – 1770) и В. Е. Новосильцевой (1780). В первой работе проявляется оригинальность таланта художника: его живопись становится здесь более темпераментной, колорит, который построен на противопоставлении красного и зелёного цветов, приобретает звучность. В портрете Новосильцевой Рокотов находит ту же меру идеальности, что и в образе Майкова. В облике молодой женщины, запечатлённой на портрете, проявляются представления художника о прекрасном. Среди работ Рокотова можно также выделить портреты «Неизвестной в розовом» (1770-е гг.), Н. Е. Струйского (1772), Е. Н. Орловой (1779), Е. В. Санти (1785). Пожалуй, одним из самых выразительных полотен художника является изображение В. Н. Суровцевой (вторая половина 1780-х годов). Обычно Рокотов всё своё внимание обращал на лица. Люди в его портретах очень часто немного улыбаются, почти всегда пристально и загадочно смотрят на зрителя. Все образы, запечатлённые художником, объединены тем, что они глубоко человечны и обладают душевной теплотой. Что касается произведений последних лет жизни Рокотова, то они практически неизвестны. Когда творчество Рокотова расцветало, началась деятельность портретиста Дмитрия Григорьевича Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких по характеристике портретов. Художник был помощников Антропова по выполнению портретов Екатерины II для триумфальной арки в Москве, воздвигнутой при коронации. Уже в 1770 году Левицкий на выставке в Академии художеств выступил с рядом портретов, представ зрелым, крупным, состоявшимся художником, мастером своего дела. За один из этих портретов, на котором изображён архитектор А. Ф. Кокоринов, Левицкий был удостоен звания академика. Здесь художник опирается на традиции барочного репрезентативного портрета. Он бережно пишет спокойное и серьёзное лицо архитектора, сложную по движению фигуру в парадном кафтане и камзоле, мастерски передаёт пластику жеста, различные ткани, шитьё, объединяет всё это дымчато-сиреневой тональностью колорита. В серии портретов воспитанниц Смольного института (1773 – 1776) Левицкий наиболее полно и целостно выразил своё понимание трактовки образа в парадном портрете. Он изобразил каждую из воспитанниц в определённой сюжетной ситуации, в характерной позе. Художник прекрасно передал очарование молодости и в то же время по-разному характеризовал персонажи. Портретам присуща декоративность, рождающаяся из богатого сопоставления красок одежд, линейных контуров и силуэтов, которая усиливается кулисами, изображающими условные пейзажи или драпировки. Колорит в этой серии портретов ясен и жизнерадостен. Примером прямого отклика художника на мечты дворянской интеллигенции о просвещённом монархе, истинном гражданине своего отечества, который не только издаёт законы, но и подчиняется им, как и все сограждане, может послужить портрет Екатерины II-законодательницы. Камерные портреты[9] Левицкого 1770-х – 1780-х годов представляют вершину достижений художника. В портрете французского философа Дени Дидро (1773 – 1774), изображённого в домашнем халате и без парика, художник подчёркивает высокую интеллектуальность, духовную значительность. Различны портреты М. А. Львовой (1778 и 1781), исполненной грации и женственности; Урсулы Мнишек (1782), пустой светской красавицы; певицы А. Давиа Бернуци (1782), которой присуща расчётливая кокетливость. Для художника все его модели – это люди со сложной внутренней жизнью. Левицкий никогда не льстил им и старался быть объективным в своих характеристиках. Примером может послужить изображение любимца Екатерины II, придворного А. Д. Ланского (1782), которого художник показал холодным и важным, кукольно красивым, разряженным в богатые одежды. В портрете священника он всё своё внимание обращает на его лице, лице человека, прожившего, вероятно, долгую и нелёгкую жизнь. Живостью и умом светятся глаза дочери художника, Агаши (1785), которую он изобразил в русском костюме, подчеркнув тем самым её непринуждённость. Вообще портреты Левицкого всегда сгармонированы в цвете. Художник часто прибегает к интенсивным сочным краскам, составляющим единую и характерную для него гамму, характеризующуюся ясностью и чистотой тональных и цветовых отношений. Ещё одним выдающимся мастером портретного жанра второй половины XVIII века был Владимир Лукич Боровиковский. Иконы, написанные им в молодости, отражают его крупное дарование. В Петербурге, куда он приехал с Украины, он сблизился с Левицким и, возможно, у него учился. Портрет Е. Н. Арсеньевой (1796) – произведение действительно высокого мастерства. В этом произведении намечен новый взгляд на человека. Художник изобразил модель среди природы, в уютном уголке сада, на фоне зелени, с яблоком в руке. Арсеньева изображена задорно улыбающейся, счастливой и очаровательной, тогда как М. И. Лопухина (1797) полна лёгкой грусти и поэтической мечтательности. Её образ пленяет меланхоличностью и мягкостью, внутренней гармонией. В портретах Боровиковский воспевал способность людей к возвышенным чувствам, сердечным переживаниям. Это проявляется в образе Екатерины II, изображённой на фоне умиротворённой природы Царскосельского парка (1794), в портрете крестьянки Христиньи (около 1795), идеального образа, а также в групповом портрете сестёр Гагариных (1802). В последней художник включил бытовую среду, связал фигуры действием, разработал тип парного изображения. В женских портретах художник стремился к непринуждённому, изящному и слегка идеализированному её изображению. Мужские же портреты более разнообразны и объективны по характеристикам, а изображённые на картинах в выражении чувств более сдержанны. В качестве примеров можно привести портреты Г. Р. Державина (около 1795), Д. П. Трощинского (1799), Ф. А. Боровского (1799). Особую группу составляют парадные портреты художника, которые отличаются монументальностью и торжественностью. Среди подобных произведений наиболее показателен портрет А. Б. Куракина, написанный в начале XIX века (1801г.). Представленная в рост фигура вельможи эффектно выделяется на фоне колонны и свисающего тяжёлого занавеса. В своём творчестве Боровиковский утверждал высокий гуманистический идеал, присущий русскому искусству XVIII века. Как и большинство живописцев того времени, художник скуп и сдержан в выражении личного отношения к модели в парадном портрете. В последние годы жизни Боровиковский много занимался религиозной живописью. Портретной живописью занимались и некоторые представители исторического жанра, в том числе Лосенко, создавший выразительный портрет первого русского актёра Ф. Г. Волкова, и Угрюмов, оставивший после себя ряд психологически острых и простых по композиции портретов. Наряду с неповторимыми произведениями Рокотова и Левицкого творчество Боровиковского завершает содержательную страницу истории русского портретного жанра, достигшего к концу XVIII века значительных успехов. Развитие русской культуры во второй половине XVIII века обусловило широкое распространение изобразительного искусства, в первую очередь, портрета, в провинции. Русский провинциальный портрет по сравнению со столичным искусством имеет ряд особенностей. Новые черты искусства XVIII века проникали в провинцию с запозданием. Провинциальные портреты создавались обычно сериями, составляя фамильные галереи. К характерным чертам этих произведений относятся прямолинейность и однозначность в трактовке образа. Провинциальные портреты более тесно связаны с древнерусской традицией, они отличаются локальным цветом и орнаментальностью. Пейзажная живопись. Во второй половине XVIII века заметное развитие получила пейзажная живопись, которая теперь становится самостоятельным жанром, в котором нашли отражение возвышенные идеалы классицизма, а также сказалось стремление художников наблюдать природу и умение строить завершённую композицию. В Академии художеств был создан ландшафтный класс, который окончила большая группа пейзажистов, запечатлевавших красоту пригородных садов и парков и неповторимость архитектуры возникавших городских ансамблей. Можно сказать, что особенное место в пейзажной живописи того периода заняли изображения Петербурга и его пригородов. Художники второй половины XVIII столетия старались точно передать облик архитектурных сооружений, стремились создать так называемый «портрет места», то есть изображение окружающего пространства. Зачастую, пользуясь зарисовками с натуры, они свои композиции сочиняли в мастерской. Обычно на первом плане изображались деревья или часть какого-нибудь здания, служившие своеобразной кулисой, а в центре располагались самые главные элементы, к которым могли относиться дворец, парковый павильон, перспектива улицы. Характерным было то, что передний план, как правило, трактовался тёплыми коричневыми тонами, второй – зелёными, а даль художники обычно писали холодными синими или голубыми, чтобы создать иллюзию пространства и глубины. Подобная система распределения цветов стала отличительной чертой академического искусства. Пейзажная живопись второй половины XVIII века отличается многообразием. Что касается паркового пейзажа, то мастером в этой области можно считать Семёна Фёдоровича Щедрина, наиболее полно воплотившего классицистические принципы построения картин данного жанра. Для творчества художника характерно чёткое построение композиции, что особенно отражается в сериях пейзажей Гатчины, Павловска, Петергофа. В этих картинах Щедрин сумел запечатлеть красоту этих мест, а также особенности парковой архитектуры. Большое распространение получил также городской пейзаж. В этом жанре творил Фёдор Яковлевич Алексеев, прославившийся как художник видов Москвы, Воронежа, Херсона, но прежде всего Петербурга. В таких произведениях Алексеева, как «Вид на Михайловский замок» (1799 – 1800) или «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости» (1794), нашли правдивое отношение набережные Невы, грандиозные дворцы, площади и вообще уличная жизнь. Картины этого художника обычно представляют собой органическое сочетание планов. Для творчества Алексеева характерно изображение панорамы столицы в серебристо-сером свете северного неба. Ещё один известный пейзажист – Михаил Матвеевич Иванов, работавший в основном в технике акварели. Его картины посвящены образам Украины, Крыма, Кавказа. Причисленный к штабу Потёмкина и сопровождавший его в Крымском походе, художник создавал произведения, относящиеся к батальному жанру: «Штурм Очакова», «Штурм Измаила». Эти картины сочетают в себе документальную точность с общим панорамным принципом построения пространства. Эпической широтой замысла и декоративностью построения отличаются произведения Фёдора Михайловича Матвеева, создававшего вымышленный пейзаж. Бытовая живопись. Во второй половине XVIII столетия заметное развитие получил жанр бытовой живописи. В Академии художеств специальный «класс домашних упражнений». Согласно эстетике классицизма Академия художеств сводила бытовую живопись к изображению незначительных предметов. Картины бытового жанра не были многочисленны поэтому не составили заметной линии в русском искусстве того периода, однако до нас дошли полотна, в которых показаны крестьянские праздники, бедная крестьянская трапеза, уличные и домашние сцены. Ранним произведением бытовой живописи считается картина Ивана Фирсова «Юный живописец» (вторая половина 1760-х годов). Привлекает внимание серьёзность и заинтересованность, с какой художник передаёт этот незначительный с точки зрения академической эстетики сюжет, в котором юный живописец пишет портрет девочки. Во всём чувствуется работа с натуры: в людях, в обстановке комнаты, в изображении мольберта и ящика с красками, в передаче мягкого освещения. Зачинателем бытового крестьянского жанра стал Михаил Шибанов. Во Владимирской губернии он написал две картины, отличающиеся сурово-правдивыми характеристиками людей, быта и отдельных деталей: «Крестьянский обед» (1774) и «Празднество свадебного сговора» (1777). Произведения написаны в коричневой гамме, они обладают красочным богатством, тонким сочетанием серебристо-серых, красных, тёмно-зелёных, розовато-жёлтых тонов. Художник внёс в полотна черты торжественности и монументальности, свойственные исторической живописи. Говоря о русской живописи во второй половине XVIII века, можно отметить следующие моменты. Во-первых, как и в скульптуре, в живописи нашли отражение прогрессивные события мировой истории, а также идеи патриотизма. Особенно это отражается в исторической живописи, в которой большое внимание уделялось передаче характера действующих лиц, их одежде и обстановке. Данный жанр характеризуется тем, что часто композиции трактовались как сценические театральные действия, где главенствовал основной герой, сосредотачивающий на себе внимание зрителя. Примерами могут послужить картины Лосенко («Каин», «Жертвоприношение Авраама», «Прощание Гектора с Андромахой» и др.), Угрюмова («Взятие Казани», «Испытание силы Яна Усмаря» и др.). Во-вторых, особенно быстрыми темпами развивается портретная живопись, в которой проявились не только принципы классицизма, но и черты сентиментализма (вспомните полотна Боровиковского). Для данного жанра искусства характерно восхищение красотой и благородством устремлений человека. Художники воссоздавали человеческий образ с помощью изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и рефлексов[10] , системы многослойно наложенных красок, виртуозного использования фактуры красочной поверхности. К самым известным портретистам того времени относят таких художников, как Рокотов, Левицкий, Боровиковский. Что касается провинциального портрета, то для него характерны прямолинейность и однозначность в трактовке образов, а также орнаментальность, локальный цвет. В-третьих, во второй половине XVIII века самостоятельным жанром становится пейзаж, который раньше преимущественно встречался в декоративной живописи, росписях и в гравюре. Иногда в произведениях пейзажистов прослеживаются некоторые романтические тенденции, выражающиеся в том, как передаётся состояние природы, однако в основном в картинах отражаются идеалы классицизма. Примечательна была особенная колористическая система, позволяющая художникам создавать иллюзию пространства. Пейзажная живопись была разнообразна. Например, различались жанры паркового пейзажа, мастером которого был Щедрин, и городского пейзажа, представленного Алексеевым. В-четвёртых, развивается бытовой жанр живописи, призванный показать жизнь простого народа во всём её многообразии, однако следует отметить, что зачастую изображённые крестьянские праздники, сцены из жизни людей были идеализированы. Представителями этого жанра были Фирсов, создавший «Юного живописца» Шибанов, внёсший в полотна черты монументальности. Таким образом, о второй половине XVIII века можно говорить как о периоде расцвета всех жанров русской живописи. Рисунок и гравюра. С открытием в 1757 году Академии художеств, где рисунку уделялось большое внимание, русская графика поднимается в своём развитии на новый уровень, о чём свидетельствуют рисунки Лосенко, его наброски для исторических картин. Гравюра второй половины XVIII века отличается разнообразием техник. Особенно широкое применение в этот период находит офорт[11] . Если говорить об основных жанрах того времени, то ими являлись портрет и пейзаж. Самыми известными людьми, работавшими в графическом жанре, были Евграф Петрович Чемесов, Гавриил Иванович Скородумов и Иван Алексеевич Ерменев. Чемесов в основном гравировал портреты современников с оригиналов живописцев, внося в произведения своё творческое начало. Его портреты И. И. Шувалова (1760), императрицы Елизаветы Петровны (1761), Фёдора Волкова (1764) и автопортрет (1764 – 1765) по размеру невелики, но значительны по содержанию, наполненного жизненностью, и по виртуозности технических приёмов. Для работ Чемесова характерны спокойствие и гармония, а автопортрет поражает своей одухотворённостью. Говоря о Скородумове, следует отметить, что он работал в различных графических техниках, ввёл в русскую гравюру цвет. В пенсионерской поездке в Англии он обучался у Бартолоцци новой и сложной технике пунктира. Там он выполнял многочисленные копии с произведений живописи, по собственному рисунку исполнил портрет Е. Р. Воронцовой-Дашковой (1777). После возвращения в Петербург в 1782 году Скородумов был определён в Эрмитаж для хранения и систематизации гравюр и выполнения эстампов[12] с картин. Помимо многочисленных гравированных портретов репродукционного характера, он обращался к акварели и создал не только автопортреты, «Портрет отца», но и жанровые произведения («Гулянье на пасхальной неделе» – 1790). Что касается гравюр пунктиром, то они не были по достоинству оценены современниками. Ерменев – один из самых ярких художников, работавших в графике над крестьянскими образами. Возможно, что, находясь в Париже, он присутствовал при взятии Бастилии 14 июля 1789 года и запечатлел это событие. Художник ещё до отъезда во Францию исполнил ставшие впоследствии очень известными рисунки с изображением крестьян и нищих. Ерменев в своих работах выразительно и правдиво раскрыл трагедию простого человека, монументально трактуя его образ, что особенно проявляется в акварелях «Поющие слепцы-нищие» (1770-е) и «Крестьянский обед» (1770-е). Таким образом, графика во второй половине XVIII века поднимается на новую ступень развития, что во многом связано с открытием Академии художеств. Можно сказать, что высокая графическая культура была присуща всем выдающимся мастерам того времени. Хорошими примерами могут послужить рисунки учеников Лосенко, в том числе Соколова, композиционные эскизы Угрюмова, проекты архитектурных сооружений Баженова, пейзажные рисунки и акварели Щедрина и Иванова. Поражает разнообразие техник, в которых выполнялись гравюры, однако наибольшее применение нашёл офорт. Основными жанрами графики считались портрет и пейзаж. Прикладное искусство. Во второй половине XVIII века прикладное искусство достигло значительного подъёма. В нём отражались гуманистические идеи просветительства. Мастеров этого времени отличали внимание к личным вкусам и потребностям человека и поиски удобства в окружающем мире. Русский классицизм утверждался на рубеже 1770-х – 1780-х годов во всех видах прикладного искусства. Зодчие М. Ф. Казаков, И. Е. Старов, Д. Кваренги, Ч. Камерон, А. Н. Воронихин создавали простые и сдержанные интерьеры с чётким членением частей, с конструктивно оправданным расположением архитектурного декора. В соответствии с этими же принципами проектировались для дворцовых помещений мебель, канделябры, люстры. Позолота и цветовая гамма становились мягче и сдержаннее, чем в середине XVIII столетия. В конце XVIII века увлечение античностью заставило даже отказаться от сложного и пышного костюма, в моду вошли лёгкие свободные платья со струящимися складками, с высоким поясом. В период классицизма формы мебели просты и чётко построены. Хотя очертания сохранили некоторую мягкость и округлость, всё-таки уже выделялись вертикальные и горизонтальные линии. Украшения: невысокая резьба, росписи, бронзовые, а также латунные накладки – подчёркивали выразительность конструкций. Большое внимание уделялось удобству мебели. Для парадных комнат проектировались комплекты-гарнитуры. Возникли новые мебельные формы: столы для карточной игры, лёгкие переносные столики-бобики, комоды различного рода. Достаточно широкое распространение получили диваны, а в кабинетной мебели бюро с цилиндрической закатывающейся крышкой. Материалами для русской мебели служили липа, берёза, орех, дуб, тополь, ясень, груша. В конце XVIII века стали использовать карельскую берёзу и привозимую цветную древесину красного дерева, амаранта, палисандра. Больших успехов русские мастера добились в технике маркетри, суть которой заключалась в составлении из кусочков цветной древесины орнаментов или целых картин на поверхности деревянных предметов. Подобные работы известны не только у столичных придворных мебельщиков, но и у бывших крепостных, работавших в Москве и Петербурге. Образцы искусно выполненной резьбы на мебели Останкинского дворца принадлежат крепостным Ивану Мочалину, Гавриле Немкову и другим. Художественный облик мебели завершала гармонировавшая с убранством стен обивка узорными шелками, бархатом, набивными ситцами, льняными тканями. Из всех отраслей промышленности наиболее успешно развивалась текстильная. Особого совершенства достигли мастера в новых узорных льняных тканях со сложными переплетениями, с игрой естественных серебристо-белых оттенков льна. Значительно улучшились декоративные качества цветного сукна и шерстяных тканей. Бурно развивалось производство шёлковых тканей, которые к концу XVIII века не уступали по качеству французским. Русские ткачи научились применять разнообразные нити, сложнейшие ткацкие переплетения, напоминающие вышивку. В тканях для платьев вплоть до 1780-х – 1790-х годов применялись узоры из сложных, волнообразных цветочных гирлянд, лент и бус, но постепенно гирлянды заменялись полосами, узоры становились проще, цветовая гамма светлее, мягче. В узорах ситцев мастера перерабатывали мотивы шёлковых тканей, сочетали сочное живописное пятно и графическую разделку. Что касается фарфора, то к концу XVIII века русский фарфор становится одним из лучших в Европе. Успешно работал Казенный фарфоровый завод в Петербурге, изделия которого отличались высоким техническим качеством. Формы посуды, ваз, их роспись не уступали западным. В 1784 году создаётся наиболее значительный из сервизов – Арабесковый для придворных приёмов. Настольное украшение этого сервиза из девяти скульптур прославляет присоединение Грузии и Крыма. В нём господствуют спокойные позы, лёгкая позолота, строгие по пропорциям формы. В 1780-х годах создаётся серия скульптур «Народы России». Выпускались также скульптурные фигурки уличных продавцов, ремесленников, зачастую изображённых в движении. На многие десятилетия фарфоровая скульптура становится излюбленным украшением дворянских интерьеров. Из частных фарфоровых заводов наиболее жизнеспособным оказался завод Франца Гарднера, выполнявший сервизы для царского дома с оригинальным использованием в росписях мотивов русских орденов. Посуда, изготовленная на этом заводе, отличалась простотой форм и пользовалась спросом и в столице, и в провинции. Подлинную славу русскому стеклу приносит цветное стекло. Ломоносов работами по теории цвета и технологии цветных стекол открыл новые пути русскому стеклоделию, обогатил палитру стекла, возродил русскую мозаику. Теперь Казенный завод осваивает выработку стекла глубоких и чистых тонов – синего, фиолетового, розово-красного, изумрудно-зелёного, а в его производстве господствует уже не гравированный хрусталь, а тонкое стекло. Рюмки, бокалы, графины получают гладкие формы. Росписи золотом и серебром гирлянд, звёзд, бантов подчёркивают пластические объёмы сосудов. Вырабатывается так называемое молочно-белое стекло, напоминающее внешним видом и характером росписей более дорогой фарфор. К концу XVIII века бесцветное и цветное стекло, хрусталь уже широко распространяются по всей России. Если говорить о ювелирном искусстве, то его расцвет наступает в середине XVIII века и продолжается на протяжении всего столетия. Искусство огранки камней достигает высокой степени совершенства. Чтобы усилить игру камня, ювелиры находят разнообразные художественно-технические приёмы монтировки, подвижного закрепления деталей. В последней трети XVIII столетия формы ювелирных изделий приобретают уравновешенность, а цветовая гамма становится строже. В этот период больших успехов достигают мастера серебряного дела. В соответствии с новыми вкусами формы серебряных сервизов просты и четки. Их украшают каннелюры[13] и античные орнаменты, а также изображения античных сцен. Выдающееся явление в прикладном искусстве – стальные художественные изделия тульских мастеров: мебель, шкатулки, подсвечники, пуговицы, табакерки. Декоративный эффект произведений строится на противопоставлении гладкой светлой стали и украшений в виде гранёных кусочков. Мастера применяют воронение[14] металла, дающее различные оттенки: зелёные, синие, лиловые и др.. Открытие во второй половине XVIII века месторождений мраморов, вишнёво-розового орлеца, многоцветных яшм, синих байкальских лазуритов стало причиной появления широких возможностей применения цветного камня в отделке и украшении монументально-декоративных произведений дворцовых интерьеров. Работая по проектам архитекторов, камнерезы артистично раскрывают красоту камня, его природный рисунок, оттенки цвета, усиливая их полировкой. Проекты для камнерезных изделий, обелисков, ваз, в основе которых лежали античные формы, создавали Кваренги, Воронихин. Подводя итоги, я хочу отметить, что значительному подъёму прикладного искусства, вероятнее всего, способствовало развитие экономики, науки и техники, а также его тесные связи с изобразительным искусством и архитектурой, в частности с творчеством Казакова, Старова, Кваренги, Камерона, Воронихина и целого ряда обученных народных художников. Под влиянием нового стиля – русского классицизма – в орнаментике мебели, посуды, тканей появились античные мотивы. Что касается гуманистических идей, господствующих в обществе во второй половине XVIII века, то и они отражались в прикладном искусстве этого времени, что проявляется во внимании мастеров к личным вкусам и потребностям человека. В этот период мебель приобретает несколько новые формы, русский фарфор становится одним из лучших в Европе, быстрыми темпами развивается стекольная промышленность, продолжает расцветать ювелирное искусство. Именно во второй половине XVIII века благодаря тому, что открываются новые месторождения, появляются широкие возможности применения цветного камня в отделке и украшении дворцовых интерьеров. Театральное искусство. В истории становления русского национального театра вторая половина XVIII столетия сыграла очень важную роль. Вообще первый профессиональный театр в России был учреждён в Петербурге в 1756 году. Можно сказать, что основу этого театр составила труппа ярославских актёров во главе с Ф. Г. Волковым, первые публичные представления которого состоялись в 1750 году. В числе актёров, кроме самого Волкова, были его братья Григорий и Гаврила, братья Поповы, И. Нырков – будущая знаменитость русского театра, актёр-трагик, театральный педагог, выступавший под театральным именем И. Дмитревский. Организованный Волковым театр несколько отличался от других любительских театров, в том числе репертуаром. Стоит отметить, что Волков успешно поставил сложный спектакль по духовной мистерии Димитрия Ростовского «Покаяние грешного человека», а также «строгие по сценическому оформлению и актёрской игре»[15] трагедии Сумарокова, проникнутые идеями гражданственности. В 1755 году Сумароков начинает для Российского театра, открывшегося как постоянный, государственный и общедоступный театр, формировать труппу, в которой наиболее знаменитой фигурой, после Волкова и Дмитревского, был Шумский, актёр с ярким комическим дарованием. Репертуар театра преимущественно строился на драматургии классицизма, а ведущее положение фактически заняли трагедии Сумарокова. Ставились также трагедии П. Корнеля и Ж. Расина, а также комедии Ж.-Б. Мольера. Большой популярностью пользовались театральные жанры европейского сентиментализма. Следует отметить, что опора русского искусства драматической игры на традиции европейского театра не означала простое усвоение чужого опыта, напротив, русские актёры перенимали кое-что и из опыта театра «охочих комедиантов», опиравшегося на традиции русского народного и школьного театров. Это ощущается в реализации комедийного репертуара, основанного на драматургии Сумарокова, а позднее – Фонвизина. Постепенно изменился характер и стиль театральной постановки: на смену «зрелищности» и мистериальному театру приходит театр, рассчитанный на интеллектуальное восприятие. Происходит более резкое разделение трагедии и комедии. Можно сказать, что преимущественное положение в репертуаре заняла трагедия, разрабатывавшая тему взаимоотношений человека и общества. Стоит упомянуть о том, что внимание зрителя сосредотачивалось на внутренней борьбе героя с самим собой. Принципы классицизма наложили свой отпечаток на направленность и эмоциональную окрашенность постановок, что проявляется в торжественности и пафосности многих диалогов и монологов героев. Интонационно-психологическое начало преобладало над пластическим, в силу чего очень большое значение приобрёл актёр – исполнитель главной роли. Действие в трагедии было лишено мистицизма, оно опиралось на исторические, реальные факты. Хотя данный жанр был лишён внешней динамики, однако законы сцены и законы восприятия определяли необходимость введения в спектакль мизансцен[16] , отмеченных драматизмом. Чаще всего это были самоубийство и убийство героя. Со временем в спектакль вводятся звуковые эффекты. Например, в трагедии Сумарокова «Дмитрий Самозванец», поставленной в 1771 году, за сценой слышатся удары колокола, воспринимаемые героем как предвестье его кончины. Если ранее авторский комментарий был незначительный, то ремарки в последней трети XVIII столетия становятся описательными, расширяются тематические и появляются «игровые» ремарки. Назначение комедии было иным. В них высмеивались нравы и поступки дворян, не отвечающие общественному назначению данного сословия. Первые русские комедии, написанные Сумароковым, строились на столкновении внутрисемейных интересов и носили пока условный характер. Можно сказать, в основе лежала своеобразная схема, сохраняющаяся в комедиях Фонвизина («Бригадир», «Недоросль»), Княжнина («Хвастун», «Чудаки»), Капниста («Ябеда») и других драматургов второй половины XVIII столетия. Что касается комедийного репертуара вообще, то стоит отметить, что он в большей степени связан с традициями народного творчества. Говоря о творчестве Сумарокова 60-х годов, следует заметить тот факт, что в комедиях меняется характер действия. Если ранее действие было лишено движения, а наступающая в конце развязка не была подготовлена ходом событий, то теперь действие немного усложняется, усложняется интрига, появляется несколько любовных пар, что было характерно для европейской комедии. Комедией, в которой изменения в жанре обозначились наиболее чётко, стал «Опекун» (1765). Варианты столкновений между персонажами, раскрытые в этом произведении, повторились и в других комедиях Сумарокова: «Приданое обманом» (1764), «Ядовитый» (1765), «Лихоимец» (1768). Комедии этого автора 70-х годов входят в современный ему театральный репертуар как самостоятельные сценические произведения и пользуются у зрителей успехом. Можно сказать, что Сумароков стоит у истоков той комедии, которая к концу века оформляется как комедия социальная и продолжает развиваться в дальнейшем, а в следующем столетии достигает своего расцвета. Рассмотрим, что же повлёк за собой успех русского профессионального театра, базировавшегося на национальной драматургии. Конечно же, основным последствием стало изменение его «социального статуса». В 1759 году Российский театр был передан в ведомство Придворной конторы, что имело положительное значение для развития искусства. В 1766 году преобразуется управление театрами, которое теперь передаётся специально созданному коллегиальному органу – Театральной дирекции. В этом же году правительство узаконивает положение русской труппы. В 1773 г. было принято правительственное постановление об учреждении в Петербурге публичного государственного театра, официальное открытие которого состоялось лишь в 1783 г. В том же году вновь была реорганизована система управления театральными зрелищами и создан Комитет по делам театрального ведомства. Именно с этого момента ведут своё начало театры, ориентированные на «благородную» публику. Несколько раньше открывается частный городской театр, организованный в 1779 г. Книппером. Его репертуар преимущественно был комедийным, с успехом шли комедии Фонвизина, оперы Матинского, Аблесимова. В 1785 г. был открыт Эрмитажный театр, где собиралась аристократическая публика, в том числе придворная. В подготовке кадров в Петербурге во второй половине XVIII века значительную роль сыграли Воспитательный дом, действующий с 1770 года, и созданная в 1779 году театральная школа с классами балета, драмы и оперы. Одновременно с созданием постоянного театра в Петербурге принимаются меры к организации подобного театра в Москве, где подготовка актёров осуществлялась Воспитательным домом, открытым в 1764 году. Всё возрастающий интерес к театральным зрелищам, наметившийся во второй половине XVIII века, приводит к возникновению театров в провинции. Одним из наиболее известных театров был театр, организованный в Казани в 1760 году. Впоследствии городской театр появится в Туле (1777), Калуге (1777), Харькове, Тамбове, Воронеже, Нижнем Новгороде, Тобольске. Что касается крепостного театра, то он, можно сказать, отражал общественные противоречия эпохи. Его репертуар был разнообразен, однако зависел от публики, то есть от того, была ли она дворянской или городской, более демократической. Художественный уровень театров был различным. Некоторые театры (например, театр гр. А. И. Воронцова в Тамбове и тамбовской усадьбе, гр. П. Б. Шереметьева в подмосковных имениях, кн. Н. Б. Юсупова в Москве и Подмосковье) по регулярности спектаклей и уровню их художественного оформления, профессионализму не уступали ведущим театрам столицы. В связи с этим актёры крепостных трупп очень часто приглашались на сцены профессиональных театров. Примером может послужить подготовленная Плавильщиковым труппа Волконского, выкупленная Московской дирекцией императорских театров, которая также выкупила крепостную труппу помещика Столыпина. Однако уже к концу XVIII века крепостные театры начинают утрачивать своё былое значение, что связано с развитием городских театров, а также с неблагоприятным экономическим положением. Во второй половине XVIII столетия развитию театра в России способствовало правительство Екатерины II, понимавшее силу его воздействия на общественное сознание. Предпринимается ряд мер, направленных на упорядочение системы представлений и организацию общественного надзора за репертуаром. С 1782 г. все театральные зрелища отдаются под надзор полиции. Теперь запрещение или разрешения спектаклей находится в руках правительства, а при Павле I в1797 г. утверждается «цензурование пьес».[17] Можно сказать, что система принятых правительством мер говорит о значительной роли, какую играл театр в обществе во второй половине XVIII столетия, а также об огромном идеологическом влиянии, приобретённым драматургией и театральным искусством данного периода. Что касается причины столь бурного развития театрального дела, то ею является развитие отечественной драматургии. В репертуаре театров второй половины XVIII века укрепляет свои позиции классицизм. Если же говорить об основных проблемах, то стоит отметить, что в спектаклях большое место занимает изображение «произвола власти» и борьбы против тирании. В качестве примера можно привести трагедию Сумарокова «Димитрий Самозванец» (1771), в основу сюжета которой положен эпизод восстания против Димитрия в период его пребывания на московском престоле. С этой трагедией тематически была связана трагедия М. М. Хераскова «Борислав», поставленная на сцене придворного театра в Петербурге в 1772 году. Прочно держалась в репертуаре трагедия Н. Николаева «Сорена и Замир» (1785), продолжавшая традиции Сумарокова. Большим успехом у зрителей пользовалась патриотическая по своему содержанию постановка Я. Б. Княжнина «Росслав» (1784), а наибольшую политическую остроту приобрела его трагедия «Вадим Новгородский» (1789). В последней трети XVIII столетия всё большее место в театральных постановках занимают комедии. По-прежнему ставятся комедии Сумарокова и прочно входят в репертуар произведения Фонвизина, для которого главным остаётся вопрос о том, каким должен быть истинный дворянин. Фонвизин высмеивает хищничество, взяточничество правящего сословия, отсутствие твёрдых нравственных понятий и добродетелей, а также осуждает принципы, которыми руководствуются его герои в отношении к государству, культуре, обычаям, семье. Действие его комедии «Бригадир» (1770) основано на мотиве сватовства, характерном для творений Сумарокова, однако бытовые сцены, введение которых «определило дальнейшее движение русской комедии по пути снижения сценической условности драматического действия»[18] разработаны более тщательно и правдоподобно по сравнению с сумароковскими комедиями. Пафосная интонация, свойственная трагедиям классицизма, уступает место разговорной, неторопливой речи, соответствующей бытовому поведению героев на сцене. Однако особую роль в истории русского театра сыграла вторая комедия Фонвизина – «Недоросль»; её первое представление состоялось в Петербурге в 1782 году. Это произведение содержало необычайно острую оценку русской действительности и её важнейших сторон: государственного управления, проблем крепостничества, внутрисемейных отношений правящего сословия. Хотя в комедии Фонвизина ощущаются каноны классицизма, однако под влиянием новых веяний в драматургии он сообщает действующим лицам естественность и правдоподобие, характерные для реализма, а также чувствительность, присущую героям сентиментализма. Изменения в драматургии повлекли за собой изменения в характере театральных постановок и в игре актёров. Основы реализма в сценическом искусстве были заложены, можно сказать, А. М. Крутицким, а также Я. Д. Шумским, Ожогиным, С. Сандуновым и Е. Сандуновой. Говоря в общем о русском театральном искусстве, следует упомянуть о том, что заметное место в репертуаре театров второй половины XVIII века заняли комедии, обличавшие общественные недостатки своего времени. Примерами могут послужить произведения Княжнина («Хвастун», «Чудаки»), Капниста («Ябеда»), Копиева («Обращённый мизантроп, или Лебедянская ярмонка»). Русская комедия эпохи классицизма оформляется как комедия общественная, сатирическая по художественному смыслу и идейной направленности, в связи с чем такие произведения, как «Ябеда», через некоторое время были запрещены. Одновременно с оригинальными русскими пьесами большое место в репертуаре занимают переводные пьесы европейского классицизма и «просветительского реализма». К ним относятся комедии Ж.-Б. Мольера («Мещанин во дворянстве», «Мизантроп», «Скупой», «Тартюф», «Школа жён»), трагедии Корнеля («Сид», «Смерть Помпеева», «Цинна, или Августово милосердие»), Ж. Расина («Эсфирь», «Афалия»), Вольтера («Заира», «Брут»), Шекспира («Юлий Цезарь», «Ричард III» и др.). Пьесы ставились как на столичных сценах публичных театров, так и на сценах крепостных, а также провинциальных театров. Во второй половине XVIII столетия появляется драма, ориентированная на вкусы третьего сословия и связанная с эстетической программой сентиментализма. Развитие этого жанра также сказывалось и на театре классицизма. Уже пьесы Хераскова «Венецианская монахиня» (1758), «Идолопоклонники, или Горислава» и Майкова «Агриопа» (1769) не имели жанровой «чистоты» и были переходными от трагедии к драме. Поэтому вполне закономерным было то, что вслед за переводными драмами появились и пьесы русских авторов, которые окончательно утвердили этот жанр в русском театральном искусстве. Следует отметить, что в 1770 – 1780-е годы в театр приходит жанр комической оперы, также связанный с формирующимся сентиментальным направлением. Первая русская комическая опера «Анюта» (1772) была написана М. И. Поповым, в ранней юности связанным с Волковым и ярославской группой. Одной из лучших репертуарных пьес стала опера А. О. Аблесимова «Мельник – колдун, обманщик и сват» (1779). Также стоит упомянуть достаточно известные оперы «Несчастье от кареты» Княжнина и «Санкт-петербургский Гостиный двор» Матинского. Вообще комическая опера сыграла положительную роль в развитии драматического театра, поскольку именно с ней было связано усиление демократических тенденций в театральном репертуаре. С появлением драматургии сентиментализма меняется стиль актёрской игры, которая теперь становится более прочувственной. Таким образом, рассмотрение театра второй половины XVIII века как явления русской национальной культуры позволяет сделать некоторые выводы. В первую очередь нужно отметить, что именно в этот период происходит развитие драматургии и формирование русского национального репертуара. Вплоть до 1770-х годов в искусстве прослеживается расцвет классицизма, его бурное развитие. Появляются первые русские профессиональные актёры. В эти годы ведущим жанром является высокая трагедия, широко распространились любительские театры, в том числе в демократической среде. В последнюю треть XVIII столетия классицизм всё ещё занимает ведущее положение, однако он уже не является единственным направлением в театральном искусстве. Постепенно развивается сентиментализм, происходит становление некоторых элементов реализма, зарождаются новые жанры – драма и комическая опера. Ведущим жанром теперь становится комедия. Стоит отметить тот факт, что наблюдается процесс демократизации искусства. Происходят изменения и в социальном составе зрителей, и в актёрском исполнении, и в режиссуре. Развивающаяся драматургия сентиментализма и зарождающийся реализм способствуют изменениям в актёрской игре, завоёвывает внимание установка на её естественность. Если в середине века театральное дело преимущественно развивается в Москве и Петербурге, то к концу столетия зарождается театр и в провинции. Явления, сопровождавшие развитие театрального искусства во второй половине XVIII века, способствовали приобщению к нему более широких слоёв населения, в особенности городского. Развитие театрального искусства в этот период отличается стремительностью, и уже в конце века театр становится серьёзной силой, а не обыкновенной забавой привилегированных сословий. Стоит отметить также, что данная область искусства развивалась на основе усвоения национальных традиций и опыта европейского театра. Характерные для русского театра второй половины XVIII столетия гуманизм, естественность актёрской игры, элементы реализма, высокая мера нравственной требовательности в дальнейшем будут восприняты театром следующих эпох. Музыка. Во второй половине XVIII века музыкальное творчество, как и другие стороны искусства, приобретает некоторые новые черты. Попробуем рассмотреть особенности развития музыкальной культуры. Стоит отметить, что вплоть до начала 1770-х годов творчество русских композиторов протекало в основном в сфере церковного пения, а также некоторых видов официально-торжественной музыки. Однако нельзя сказать, что тот расцвет национального композиторского творчества, который наступает в 70 – 80-х годах XVIII столетия, был неожиданным. Напротив, уже в первых десятилетиях этого века происходят изменения в музыкальной жизни. Что касается русских исполнителей, то они к 50 – 60-м годам выросли настолько, что могли с успехом заменять иностранных музыкантов на придворных концертах. В 1760 – 70-х годах большое значение приобретает итальянская опера, достигнувшая к тому времени своего расцвета. Во главе её стояли такие композиторы, как Б. Галуппи, Т. Траэтта, Дж. Панзиелло. Ведущее положение в петербургской труппе занимали знаменитейшие итальянские певцы. Если говорить о французской комической опере, лучшие образцы которой отличались реалистичностью образов, то она приходит в Петербург в середине седьмого десятилетия. По истечении трёхлетнего срока придворной службы (с 1764 по 1767) французская труппа осталась в городе и стала давать концерты уже для народа. Но особенно этот жанр распространяется в 80-х годах XVIII века, когда французские оперы ставились на сценах профессиональных и любительских театров. Во второй половине XVIII столетия интенсивно развивается музыкальная жизнь, хотя её центрами по-прежнему остаются Петербург, Москва и усадьбы крупных феодальных магнатов. Постепенно концертный репертуар, в первое время ограничивавшийся итальянской музыкой, становится более разнообразным и содержательным. В 80-е годы публика знакомится с симфониями Гайдна и Моцарта. Большой любовью пользовались оркестрово-хоровые произведения типа оратории и кантаты. В 1783 году в Москве прозвучала оратория Генделя «Самсон». В различных привилегированных заведениях Петербурга, Москвы и других крупных городов силами самих учащихся проводились концерты и оперные спектакли, подтверждением чему могут послужить постановки Смольного института благородных девиц. Во второй половине XVIII века продолжают выходить в свет сборники песен. В них преобладают песни лирические и плясовые или хороводные, что говорит о распространённости фольклорных жанров в городской среде. В отличие от деревенской традиции многоголосного хорового исполнения песен здесь они даны одноголосно. Первым составителем одного из таких сборников считается не кто иной, как В. Ф. Трутовский. В быту всё большее распространение получала игра на музыкальных инструментах, служивших не только для аккомпанемента пению, но и для самостоятельного исполнения произведений. Вообще между вокальным и инструментальным репертуаром не существовало значительной разницы, и это можно заметить в заглавии сборника, выпущенного издателем Т. Полежаевым в конце века: «Новый российский песенник, или Собрание разных песен с приложенными нотами, которые можно петь на голосах, играть на гуслях, клавикордах, скрипках или духовых инструментах» (1792). Из сольных музыкальных инструментов особенно популярны были так называемые «столовые» гусли. Благодаря большему количеству струн, чем в старинных народных гуслях, и особому устройству, допускающему игру двумя руками, они могли служить заменой клавесина, клавикорда или арфы, которые были доступны только богатым людям. Своеобразным сводом произведений для бытового инструментального музицирования во второй половине XVIII века является сборник Ярославского краеведческого музея. Наряду с танцевальными пьесами и обработками народных песен, в нём можно найти и военные марши, в том числе Преображенский, увертюры из опер, шедших на придворной сцене. Стоит упомянуть об особенности русской композиторской школы, которая начала формироваться в 60 – 70-х годах. Основными её чертами «были стремление к правдивому воплощению образов народной жизни, отказ от всякой ходульности и выспренного пафоса, обращение к народному песенному творчеству».[19] Одним из важнейших формирующих элементов стиля русской музыки была народная песня, которая зачастую непосредственно водилась в произведение и поэтому позволяла создавать композиторам темы, родственные фольклорным, и находить убедительные средства для изображения образов людей из народа. В последней трети XVIII столетия в творчестве русских композиторов ведущее место занимала демократическая по своей природе опера. Ранняя русская опера представляла собой скорее пьесу с музыкальными вставками, нежели оперу в современном понимании. Эта черта сближала её с французской оперой, основывавшейся на чередовании разговорных сцен с песенными эпизодами. Примером может послужить первая русская опера «Анюта». В качестве самостоятельного театрального жанра русская опера окончательно сложилась во второй половине 70-х годов, причём лучшие образцы были поставлены на сценах частных театров, а не при дворе. Наибольшим успехом пользовались те произведения композиторов, которые содержали в себе сатирические элементы, обличали недостатки привилегированных сословий. Одним из таких творений была опера «Розана и Любим» (слова Николаева), поставленная в Москве в 1778 году. Первой настоящей оперой считается опера «Мельник – колдун, обманщик и сват» (1779). Пьеса была написана Аблесимовым, а автором музыки стал скрипач и дирижёр Соколовский. Расцвет русской оперы в 80-х годах XVIII века связан с именами В. А. Пашкевича и Е. И. Фомина. Говоря о Пашкевиче, стоит сказать, что он является создателем нескольких хоровых концертов на духовые тексты, опер «Несчастье от кареты» (1779) и «Скупой» (1781). Но самым значительным его произведением является опера «Санкт-петербургский Гостиный двор, или Как поживёшь, так и прослывёшь» (1782) на слова Матинского. Последующие оперы Пашкевича «Февей» (1786) и «Федул с детьми» (1791), написанные по заказу двора на слова Екатерины II, уступают по своему значению рассмотренным выше произведениям, что связано с вульгарным, псевдонародным характером текстов, изобилующих нелепостями, которые отразились на музыке этих опер, достаточно неровной, хотя и в ней есть удачные моменты. Следует также упомянуть об участии Пашкевича в создании музыки к спектаклю «Начальное управление Олега» (1790). Вообще в работе над этим спектаклем участвовали несколько композиторов, а на долю Пашкевича выпало написание трёх хоров в сцене свадебного обряда. Фактически композитор создаёт небольшую сюиту[20] , в которой наблюдаются различные жанры народно-песенного творчества – протяжно-лирический, хороводный и плясовой. Наиболее яркой творческой индивидуальностью среди русских оперных композиторов второй половины XVIII века обладал Фомин[21] , которому в 1785 году было присвоено советом Болонской академии звание «иностранного маэстро композитора». Во время пребывания в Италии, где он занимался в знаменитой Болонской филармонической академии, он мечтал о том, что сможет «приняться за театральную музыку»[22] . Ему представилась возможность осуществить мечту: по возвращении на родину ему поручили написать на музыку либретто Екатерины II «Новгородский богатырь Боеславич». Однако проделанная композитором работа не принесла ему желаемого успеха. Но уже в 1787 году им была написана опера «Ямщики на подставе» на либретто Львова, ставшая одним из самых интересных и примечательных явлений русской музыки. В хорах «Не у батюшки соловей поёт» и «Высоко сокол летает» Фомину удалось впервые воспроизвести многоголосную природу русского народного хорового пения, и он, можно сказать, выступил как новатор. В 1787 году композитор на текст И. А. Крылова создаёт новую оперу «Американцы», музыка которой выдержана в формах развитой итальянской «оперы-буффа».[23] Что касается мелодрамы «Орфей» (нач. 1790-х годов) на текст Княжнина, то именно в ней с наибольшей силой проявился драматический дар Фомина. Это лучшее произведение композитора принесло ему широкую известность и неоднократно исполнялось вплоть до XIX века. После «Орфея» Фоминым было создано ещё несколько опер, но их музыка не сохранилась. Частично до наших дней дошла опера «Золотое яблоко». Если говорить об историческом вкладе композитора в русскую музыку, то он определился такими произведениями, как «Ямщики на подставе», «Американцы» и «Орфей». Во второй половине XVIII века развивалось на только оперное искусство, но и камерная, инструментальная и вокальная, хоровая музыка. Особенное широкое распространение получил жанр камерной лирической песни с сопровождением типа романса, известной под названием «российской песни». Её истоки восходят ещё к середине века. В 1759 году был издан сборник «Между делом безделье», в который входило 17 песен на стихи Сумарокова и других поэтов. Автором сборника был Теплов, большинство песен которого выдержано в форме светских танцев. В 1781 г. книгоиздателем Мейером напечатан сборник под названием «Собрание наилучших российских песен», который несколько демократичнее, чем сборник Теплова, проще и доступнее по изложению. Расцвет камерной вокальной музыки (конец XVIII века) связан с именами Ф. М. Дубянского и О. А. Козловского, творчество которых отражает тенденции сентиментализма в области песенного творчества. Из произведений Дубянского до наших дней дошли только шесть песен, иногда напоминающих русскую народную песню. Особой популярностью обладала песня «Стонет сизый голубочек» на стихи Дмитриева, но произведение «Уже со тьмою нощи» (слова Капниста) носит более углубленный характер. Если же говорить о песнях Козловского, то следует отметить, что они отличаются подчёркнутой напряжённой экспрессией. Для творчества этого человека характерно превращение небольшого лирического стихотворения в достаточно развёрнутый драматический монолог с контрастами настроений. Примерами могут послужить песни «Прежестокая судьбина» и «Прости, мой свет, в последний раз». Однако у Козловского есть и лёгкие произведения чувствительного характера («Я птичкой быть желаю»), и песни в народном духе («Выйду ль в тёмный я лесочек»). В отличие от камерной музыки, достигшей определённых успехов, крупных форм инструментальной музыки симфонического плана создано не было. Задатки русского национального симфонизма можно проследить в увертюрах Е. И. Фомина, В. А. Пашкевича, сочетающих в себе народные темы и принципы западной классической музыки. Самостоятельное же инструментальное творчество ограничивалось сравнительно небольшими произведениями. Одним из излюбленных жанров были вариации на темы русских народных песен. Простейшим примером является творчество В. Ф. Трутовского, вариации которого можно было исполнять на любом клавишном инструменте и на гуслях. Более интересны и разнообразны вариации В. С. Караулова, в чьём творчестве можно проследить элементы, присущие сентиментализму. Особое место среди сочинений этого жанра занимают Скрипичные вариации И. Е. Хандошкина, создавшего несколько десятков сочинений на народные темы, три сонаты для скрипки соло и одну для скрипки с оркестром Достаточно высокого уровня достигло хоровое искусство, которому всегда уделялось большое внимание. Следует отметить, что хоровое творчество второй половины XVIII века развивалось по двум направлениям. Одно из них было тесно связано с народным творчеством и получило развитие в рамках оперы. Второе в основном сохраняло связь с церковным пением, хотя иногда «выходило за пределы узкокультурного значения».[24] Среди композиторов, уделявших хоровым жанрам значительное внимание, особенно выделяются М. С. Березовский, создавший оперу «Демофонт» на итальянский текст, и Д. С. Бортнянский, поставивший три оперы на итальянские либретто: «Креонт», «Алкид» и «Квинт Фабий». После возвращение в Россию из Италии Бортнянский руководил музыкальными развлечениями «малого двора» Павла Петровича – наследника престола. В обязанности композитора входило сочинение и разучивание опер. Для «малого двора» Бортнянским было создано три оперы на тексты Ф.-Г. Лафермьера, ряд инструментальных ансамблей, фортепианных сонат и других произведений. Его творчество достаточно разнообразно: опера «Сокол» (1786) привлекает сочетанием «нежной чувствительности» и «лёгкого юмора»,[25] а опера «Сын-соперник» (1787) близка по характеру сентиментальной драме. В целом же композитор синтезирует классицизм и сентиментализм, вносит в свою музыку черты, сближающие её с бытовыми жанрами.[26] Музыка Березовского и Бортнянского не отличается большой оригинальностью, но привлекает внимание слушателей мелодической выразительностью и тонкостью фактуры. Таким образом, итогом развития музыкальной культуры второй половины XVIII века является формирование национальной композиторской школы, соответствующей требованиям этого периода. Стоит отметить тот факт, что в указанное время была создана русская опера, тесно связанная с народной песней. Народные мотивы проникают и в другие сферы, в том числе в сферу инструментальной музыки. Однако влияние оказала и зарубежная культура, в частности итальянская и французская опера. Музыкальное искусство стремительно развивается по всем направлениям, кроме инструментальной музыки. Наиболее яркими личностями, которые внесли неоспоримый вклад в эту область искусства, являются Фомин («Американцы», «Орфей» и др.), Хандошкин (сонаты для скрипки), Бортнянский («Сокол», «Сын-соперник»). Можно сказать, что русскими композиторами во второй половине XVIII столетия были заложены основы русской музыки, соответствовавшей новому времени, определено направление, в котором в дальнейшем она должна была развиваться. Литература. Во второй половине XVIII века в русской литературе утверждается классицизм. Следует отметить, что идейной основой данного направления являлась борьба за мощную государственность под руководством самодержавной власти. Для русского классицизма были характерны сильные просветительские тенденции, обличительные мотивы, а также идея гражданственности. Устанавливалась своеобразная иерархия жанров, то есть выделялись высокие и низкие жанры. К высоким относились трагедия, эпопея, ода, а низкие были представлены комедией, сатирой и басней. Наиболее известными и талантливыми писателями-классицистами были М. В. Ломоносов, А. П. Сумароков, А. Д. Кантемир, Я. Б. Княжнин, В. К. Тредиаковский, М. М. Херасков. Русская поэзия второй половины XVIII века достигла замечательных успехов, чему способствовало творчество М. В. Ломоносова, просветительские взгляды которого ярко отразились в его произведениях. Даже в торжественных одах он прославляет героев различного социального положения («от земледельца до царя»). Его поэзия наполнена упоминаниями о пастухах, земледельцах, охотниках, воинах, купцах и учёных. Наиболее чётко Ломоносов выразил свои взгляды в программном цикле стихотворений «Разговор с Анакреоном», в котором он подводил итог своему поэтическому творчеству и давал некоторые наставления поэзии России на будущее. Можно сказать, стихотворец является сторонником героической тематики в поэзии. Классицизм не был единственным направлением в русской литературе того периода. Во второй половине XVIII века имеет место также натурализм, представителей которого объединял «стихийный демократизм», чувство социальной неполноправности, но в то же время приверженцы данного направления не вели борьбы за права личности с определённых идеологических позиций.[27] Данный период отмечается значительными успехами во всех родах литературы: и в драматургии, и в поэзии, и в прозе. Отечественная литература поражает своим разнообразием; продолжается знакомство российских писателей с достижениями зарубежного творчества. Новаторские достижения раньше всего проявились в драматургии, а связаны они с работами Фонвизина («Бригадир», «Недоросль»), зачастую отличающимися от произведений классицизма. Обличительный пафос Фонвизина сводился в основном к требованию «уничтожить крестьянское рабство», но не сам «институт крепостного права».[28] В комедии «Бригадир» писатель сатирически изображает нравы русского дворянства, его пристрастие ко всему французскому. Что касается «Недоросля», то важной его художественной особенностью стало внутрисословное разнообразие персонажей (сравните Еремеевну, Тришку и Цифиркина). В этой комедии автор прямо называет причину всех проблем – крепостное право, а также обличает систему дворянского воспитания и образования. Стоит отметить используемый Фонвизиным приём «зоологизации», когда фамилии отрицательных персонажей ассоциируются с животными (например, Скотинин). Именно с этим писателем связано становление в русской драматургии жанра общественной комедии. В последней трети XVIII века значительные изменения произошли в поэзии. Устойчивые поэтические принципы классицизма охранялись сложившейся жанровой системой, поэтому развитие данной области литературы без нарушений просто не могло осуществляться. Эти нарушения стали допускать сами классицисты, однако настоящий переворот совершил Г. Р. Державин, который начал поиск новых форм выражения, необходимых в связи со значительным расширением «объекта поэзии». В 1779 году были опубликованы два его произведения: «На смерть князя Мещерского» и «На рождение в Севере порфирородного отрока». Оба творения приближаются к жанру оды, однако различий между ними гораздо больше. Например, поэт отказался от традиционной для оды десятистишной строфы. Непосредственное «разрушение» жанра торжественной оды Державин начал «Фелицей» (1783), в которой проявляется новый принцип типизации. Сочетая похвалу императрице с сатирой на её приближённых, поэт нарушает чистоту жанра, требуемого классицистами. «Фелица», а также другие оды Державина (например, «Вельможа») проникнуты идеями гражданственности, философскими размышлениями, бытовыми зарисовками, пейзажами. Напряжённый поиск новых принципов создания художественного характера идёт в творчестве Радищева, создавшего оду «Вольность» (1781 – 1783), в которой проявляются его революционные убеждения, направленные против правительства. В 80-е годы он также работает над книгой «Путешествие из Петербурга в Москву», отражающей широкий круг идей русского Просвещения. В своём произведении Радищев наглядно показывает зло самодержавия и крепостничества, призывает к борьбе с этим злом. Большой вклад в развитие русской литературы внес Карамзин, пытавшийся отстаивать неизменную пользу самодержавия для русского народа. «История государства Российского» – его самая интересная работа, сочетающая труд историка и талант писателя. Говоря в общем о русской литературе второй половины XVIII века следует отметить, что в этот период наблюдается повышение интереса к фольклору, что связано с «окончанием монополии античной литературы как единственного образца для подражания».[29] В решение проблемы историзма большой вклад внесли Радищев и Карамзин, в развитие драматургии – Фонвизин. Получилось так, что писатели творили в эпоху социальных потрясений. Они руководствовались принципами гуманизма, заботой о человеческой личности. В литературе не только обличается крепостничество и самодержавный строй, но и развивается тема бесчеловечности войны, ужаса тех разрушений, которые она несёт. Вспомните «Войну» Майкова, написанную в 1772 году, а также «Песнь мира» Карамзина (1742). Литература второй половины столетия развивалась в соответствии с тенденциями нескольких направлений. Последняя треть XVIII века характеризуется тем, что наряду с зарождением романтического направления резко усилился рост реалистических тенденций. Русская литература стала искать подходы к социальному анализу, объясняя характер как результат воздействия на него среды и внешних обстоятельств. Если говорить о периодизации русской литературы, то уже в 1760 – 1770-х годах имеет место эволюция классицизма, происходит развитие сатиры, которая достигает в это время своего расцвета. Именно в этот период появляются предпосылки к развитию сентиментализма, который оформляется в последней четверти века, характеризующейся кризисом классицизма, ростом романтических тенденций. С появлением же «Путешествия из Петербурга в Москву» Радищева передовая часть русской литературы становится носительницей революционных идей. Наука и образование. Во второй половине XVIII века происходит дальнейшее развитие различных областей науки, совершенствование системы образования. В этот период возникают определённые традиции, которые впоследствии были унаследованы русскими естествоиспытателями XIX столетия. Стоит отметить, что бурное развитие естественных наук, активизировавших человеческую деятельность и составивших новую картину мира, оказало большое влияние на русскую культуру в целом, поскольку новые знания в большинстве своём противоречили религиозным догмам. Наука второй половины XVIII века содействовала развитию экономики страны, способствовала формированию капиталистического уклада. Потребности развивающейся промышленности способствовали появлению талантливых механиков, к числу которых можно отнести Ползунова, Кулибина. В чём-то помогли развитию страны и другие области науки, которые сейчас будут рассмотрены. Математика, механика и астрономия. В развитии математики большую роль сыграла Петербургская Академия наук, где в течение 31 года работал Эйлер, ученики которого во второй половине XVIII столетия стали продвигать отечественную науку. Примерами могут послужить А. И. Лексель, Н. И. Фусс, работавшие в области анализа и развивавшие сферическую геометрию и тригонометрию. Конечно же, ими исследовались и другие разделы математики. Интересные исследования по обоснованию анализа были проведены Гурьевым, получившим образование в Артиллерийском и Инженерном корпусе. Именно этим учёным впервые были приведены «основные формулы дифференциальной геометрии в полярной системе».[30] В стенах Петербургской Академии наук создавалась учебная литература по механике, в том числе «Книга, содержащая в себе учение о равновесии и движении тел», написанная в 1774 году С. К. Котельниковым, и книга по статике и динамике Я. П. Козельского «Механические предложения» (1764). В самом конце XVIII века в области механики плодотворно работал также С. Е. Гурьев, исследовавший проблемы равновесия в теории машин. В Московском университете механика преподавалась в курсе прикладной математики. Этот курс читал Панкевич, занимавшийся механикой гидравлических устройств и в 1788 году защитивший магистерскую диссертацию «Об особенных гидравлических машинах…», являвшуюся первой в России работой о паровых машинах. Что касается астрономии, то интерес к ней во второй половине XVIII века был достаточно велик. Как известно, перед этой наукой стояло множество задач, без решения которых теория всемирного тяготения Ньютона вызывала некоторые сомнения. Самой хорошей проверкой теории XVII века должно было стать объяснение движения планет, однако возникали проблемы, связанные с постоянным обнаружением «ошибок» в этом движении, которые в результате отвергали расчёты, сделанные на основе теории Ньютона. Именно по теории Луны Эйлер с 1748 и вплоть до 1780 г. создаёт серию «мемуаров». Вычисления этого учёного легли в основу точных лунных таблиц Майера, позволяющих достаточно точно определить долготу на море. Однако идеи, принадлежащие Эйлеру, широкое развитие получили лишь в XIX – XX вв. В 1783 году в Петербурге была опубликована на французском языке работа А. И. Лекселя «Исследования о новой планете, открытой Гершелем…», в которой доказывалось, что Гершель открыл не комету, как это предполагалось, а планету, впоследствии получившую название Уран. Вообще петербургские астрономы много занимались определением параллаксов небесных тел. Эти исследования наиболее широко развернулись во время наблюдений за прохождением Венеры по диску Солнца. Петербургской Академией наук было организовано несколько экспедиций в различные пункты наблюдения. Россия во второй половине по объёму выполненной работы, можно сказать, служила примером для других стран. Одним из важнейших результатов работы стало получение достаточно точного параллакса Солнца, равное 8”.67. Большое влияние на развитие астрономии во второй половине XVIII века оказали открытия и работы, сделанные в середине столетия, к которым примыкают «примечания» Ломоносова, относящиеся не столько к области небесной механики, сколько к астрофизике. Учёный сделал вывод, имевший большое значение.[31] Ломоносов первым увидел эффект рефракции[32] и дал ему основательное объяснение. Работа Ломоносова «Явление Венеры на Солнце» (1761) была издана не только на русском языке, но и на немецком. Во второй половине XVIII столетия учёные приложили много усилий для развития теорий физической природы комет, полярных сияний и зодиакального света. Эйлером были рассмотрены эффекты светового явления, Делиль занимался доказательством отсутствия атмосферы на основе экспериментов по дифракции света. Также стоит отметить, что была выдвинута гипотеза о вулканическом происхождении лунного рельефа. Итоги развития небесной механики были подведены в самом конце века в трёхтомной «Теоретической астрономии» Шуберта, опубликованной в Петербурге на немецком языке в 1798 году. Астрономические исследования, разработка равнопромежуточной конической проекции[33] позволили не только исследовать космические пространства, но и составить более чёткие географические карты. Физика. Одной из важнейших областей физики, волновавшей учёных середины и второй половины XVIII столетия, было электричество. Некоторые исследователи были уверены в том, что изучение этого явления в итоге приведёт к раскрытию тайн природы. В качестве примера можно привести Ф. Эпинуса, написавшего трактат «Теория электричества и магнетизма», высоко оценённый такими деятелями науки, как Кавендиш, Лаплас, Вольта. Автор трактата значительно продвинул ньютоновскую концепцию сил отталкивания и притяжения, снабдив её количественным анализом, что сыграет достаточно большое значение для развития науки во второй половине XVIII века. Теория магнетизма Эпинуса была построена на тех же принципах, что и теория электричества, а сходства явлений электричества и магнетизма Эпинус подтверждал опытами с турмалином, в которых он впервые открыл дипольный эффект у наэлектризованных тел. Стоит отметить, что концепциям, распространённым в физике и химии середины – второй половины XVIII века, соответствовали представления о существовании электрической жидкости, в механизм которой включены силы притяжения и отталкивания. Однако существовали несколько иные взгляды, примером чему могут послужить работы Ломоносова, в которых все явления и процессы «объяснялись движением протяжённых, непроницаемых, обладающих инерцией корпускул»[34] . Ломоносов также разработал кинетическую теорию тепловых явлений в твёрдых телах, жидкостях и газах. Он использовал идеи о корпускулярном строении вещества для объяснения тяготения. Учёным была разработана также физика эфира, выступавшего в его теориях носителем электрических и оптических явлений («Слово о происхождении света, новую теорию о цветах представляющее», 1759 г.). Ломоносов сконструировал ряд оптических приборов, зеркальные телескопы, солнечную печь, навигационные и метеорологические инструменты. Многие дальнейшие исследования были тем или иным образом основаны на работах этого учёного. В последней трети XVIII столетия интенсивность физических исследований в Петербургской Академии наук значительно снизилась, однако к концу века деятельность в этой области активизировалась в Московском университете и Медико-хирургической академии в Петербурге. Ближе к концу столетия физика была введена в программы средних учебных заведений. Химия. Вторая половина XVIII века и его середина характеризуются резким возрастанием интереса к химии. Большое значение имели исследования Ломоносова, который ввёл в химию меру, вес, число, изучал растворимость металлов в кислотах и солей в воде, создал план дальнейшего развития физической химии. Фактор веса играл решающую роль в исследовании окислительно-восстановительных процессов. Русские химики второй половины столетия основное своё внимание уделяли вопросам прикладной химии, связанной с потребностями горнозаводского дела и металлургии. Постепенно расширялась деятельность заводских лабораторий. Наиболее важными исследователями признаны Н. П. Соколов, Э. Г. Лаксман, И. И. Георги, А. А. Мусин-Пушкин, Я. Д. Захаров, В. И. Клементьев. Интересные работы проделал Т. Е. Ловиц, открывший явление адсорбции[35] и разработавший метод кристаллохимического определения веществ с помощью микроскопа. К концу XVIII века относится начало деятельности В. М. Северегина, результаты исследований которого публиковались не толь в русских, но и в зарубежных журналах. Можно сказать, что во второй половине столетия химия становится самостоятельной теоретической наукой и важной областью практической деятельности, а её значение оценивается очень высоко. Биология. Вторая половина XVIII века – время значительных открытий в области биологии. Толчком для стремительного развития и источником новых знаний стали академические экспедиции 1768 – 1774 гг. в Оренбургский край и Сибирь (Паллас), в Астраханский край, на Кавказ и в Персию (Гмелин), на Байкал и в район Персии (Георги), на Волгу, Урал, Каспийское море и Белое море (Лепехин, Озерецковский). В этот период практически во всех трудах натуралистов присутствует проблема адаптации животного и растительного мира к условиям окружающей среды, порождающая несколько новые взгляды естествоиспытателей. Учёными овладевали сомнения в истинности метафизических концепций неизменности живой природы. К тому же, зачастую взгляды естествоиспытателей противоречили религиозным догмам, а значит, становились опасными. Огромный материал, подтвердивший впоследствии идеи эволюции, был собран Палласом, который уже до Кювье составил естественную классификацию позвоночных. Учёный также занимался наблюдениями за периодическими явлениями в жизни животных. Что касается работ Лепехина, то они содержат много наблюдений о воздействии климата на различия в растительном мире. Большой вклад внёс в развитие биологии К. Ф. Вольф, работавший в России с 1767 до 1794 г., где он продолжал начатые в Германии исследования, доказывающие эпигенез. Он опубликовал в «Новых комментариях» исследование о формировании кишечника у куриного эмбриона, а также изучал уродов из коллекции Петербургской Кунсткамеры. Использование в исследованиях микроскопа позволило учёным поднять науку на новую ступень. Известным исследователем, работавшим с микроскопом, был Тереховский, защитивший в 1775 году диссертацию о природе и возникновении микроскопических организмов. Он неоднократно подчёркивал сложность любых организмов, в том числе микроскопических, и говорил о нелепости утверждения самозарождения. В 1782 г. защитил диссертацию, в которой излагался точный микроскопический анализ почек, Шумлянский. Достаточно заметной фигурой в науке второй половины XVIII столетия являлся Болотов, наиболее существенные достижения которого связаны с растениеводством, точнее, с физиологией питания и размножения растений. Немало исследований было проведено ботаниками-систематиками и натуралистами конца столетия, к которым относятся П. Д. Вениаминов, М. И. Афонин, А. А. Антонский, Ф. Г. Политковский, Г. Ф. Соболевский. Можно сказать, что во второй половине XVIII века шёл процесс накопления материала и его систематизации. Геология. Вторая половина XVIII столетия характеризуется тем, что геологические исследования приобретают большой размах. Открываются новые месторождения угля, минералов, разнообразных руд, изучаются горные породы, минеральные источники, окаменелости. Уже в конце 70-х годов Гильденштендтом было составлено общее описание геологического строения Кавказа. Всё больше возрастал интерес к новым данным, свидетельствующим о переменах, связанных с обликом Земли. Интересную работу в этой области проделал Лепехин, сообщающий в своих работах об изменении земной поверхности. Он также проводил исследования Уральских гор, уделяя внимание проблеме их образования, и пришёл к выводу, что они возникли под действием силы «подземного огня»[36] . Следы значительных геологических изменений описываются в «Путешественных записках» Зуева (1787), по мнению которого, причины этих изменений следует искать в действиях воды, ветра и других внешних условий. Большую работу проделал Паллас, создавший теорию образования гор и строения Земли. В его трудах учитывались многие факторы, в том числе откладывание кристаллических пород, вулканические извержения, а причины наиболее существенных изменений связывались с геологическими катастрофами. Идеи учёного были им изложены в 1777 году перед слушателями Торжественного собрания Петербургской Академии наук. Стоит отметить, что геологией занимался и Ломоносов, изучавший способы образования осадочных пород, признаки рудных месторождений и предложивший способ доказательства растительного происхождения нефти, угля, торфа и янтаря. Развитие геологии шло достаточно быстрыми темпами, постоянно нарастал поток данных о крупных геологических изменениях, всё чаще организовываются экспедиции, требовавшие хороших специалистов, для подготовки которых специально было открыто в 1773 г. Горное училище в Петербурге. Теперь сделаем некоторые выводы, касающиеся развития науки во второй половине XVIII века. В первую очередь, я думаю, стоит отметить, что в этот период отчётливо прослеживаются контакты развивающегося капитализма с наукой. Многим естествоиспытателям поручалось проведение экспедиций и исследований, которые бы отвечали запросам промышленности. Именно экономические потребности определили преимущественное развитие физики и химии, горного дела и минералогии. Быстрыми темпами развивалась астрология, на новую ступень поднялась биология. Следует сказать о том, что возникли определённые традиции, связанные в основном с деятельностью Ломоносова, который внёс значительный вклад в создание научной и научно-технической терминологии. Однако развитие несколько приостановилось в период царствования Павла I, характеризующийся искоренением «псевдонауки» и запретом на ввоз любой литературы из-за рубежа. Несмотря на все сложности, имевшие место в России во второй половине XVIII века, развивались все разделы естествознания, а исследования в скором времени достигли уровня мировой науки. Система образования. Во второй половине XVIII столетия совершенствовалась система образования, что во многом было обусловлено нехваткой профессиональных работников, в которых нуждалась развивающаяся промышленность. Влияние оказали и идеи просвещения, господствовавшие в то время в обществе. В России в области образования продолжали развиваться две тенденции: с одной стороны, расширение сети учебных заведений, увеличение числа народных школ, с другой – закрепление принципа сословной образованности и расширение сети учебных заведений специально для дворян. Что касается центра российского просвещения во второй половине XVIII века, то им стал Московский университет, в котором было три факультета: философский, юридический, медицинский. В число студентов не допускались только крепостные. В 1757 году в Петербурге была открыта Академия художеств, представлявшая собой высшее учебное заведение в области пластических искусств, которое оказало значительное влияние на развитие русской живописи, скульптуры, архитектуры. В 1783 г. открыта Академия Российская – научный центр по изучению русского языка и словесности. В конце века Академией был выпущен Толковый словарь русского языка. Уже в середине XVIII века стала формироваться система общеобразовательной школы. В губернских городах создавались главные четырёхклассные училища, в уездных – малые двухклассные. Основными учебниками являлись «Грамматика» М. Смотрицкого, «Первому учению строки» Ф. Прокоповича, «Арифметика» Л. Магницкого, Азбука, Часослов, Псалтырь. В 66 духовных семинариях обучались дети православного духовенства. Дворянские же дети получали образование дома или в закрытых дворянских учебных заведениях. Что касается специального образования, то его давали более 20 школ. К самому концу XVIII столетия в России существовало 550 учебных заведений, в которых обучалось 62 тысячи человек. Первое женское заведение – «Воспитательное общество благородных девиц» при Смольном монастыре – было создано в 1764 году. В течение 12 лет девочек из дворянских семей обучали иностранным языкам, арифметике, истории, танцам, музыке, домоводству. Для мещанок в Москве был открыт Екатерининский институт. Таким образом, во второй половине XVIII века большое внимание уделялось совершенствованию системы образования, что не мешало развитию как тенденции увеличения числа народных школ, так и тенденции расширения сети дворянских учебных заведений. Хотя темпы роста числа учебных заведений были значительны, в конце столетия в России подобных учреждений было почти в 14 раз меньше, чем во Франции, но и это было своеобразным достижением. Заключение. Основные выводы. В русской культуре второй половины XVIII столетия происходят значительные изменения, обусловленные коренными преобразованиями и в социально-экономической сфере, и в жизни народа. Основной причиной преобразований стало формирование в стране капиталистического уклада. Литература и искусство утверждают идеи государственного служения отечеству. Получает развитие просветительское движение, а также происходит сближение русской культуры с идеями французских просветителей. Идеи гражданственности и патриотизма нашли отражение в живописи, скульптуре, литературе. Вторая половина XVIII столетия – время расцвета архитектуры и связанных с ней различных видов изобразительного искусства. Постепенно барочные формы, характерные для середины века, сменились приёмами, которые были присущи классицизму, утверждавшему простые, но величественные формы, гармонию пропорций. В архитектуре основоположниками данного направления были Баженов (проект Кремлёвского дворца, ансамбль в Царицыне, Дом Пашкова в Москве), Казаков (Московский университет, 1-я Градская больница), Старов (Таврический дворец, Троицкий собор Александро-Невской лавры). Своего расцвета достигает портрет, пейзажная живопись становится самостоятельным жанром, но в то же время историческая живопись не теряет своего значения. Возникает новый вид изобразительного искусства – скульптурный портрет. Для конца столетия характерно проявление некоторых черт сентиментализма и романтизма, причём не только в скульптуре, но и в архитектуре, литературе. Что касается русского прикладного искусства, то и оно начинает развиваться в русле новых тенденций, чему в немалой степени способствовало развитие экономики, торговли и науки. Возрастает интерес к театральному искусству, которое ближе к концу столетия начинает ориентироваться на вкусы широкой публики, театры начинают строиться и в провинции. Стоит также отметить, что в течение второй половины XVIII века происходит более резкое разграничение жанров трагедии и комедии. Именно в данный период формируется русский национальный репертуар, развивается драматургия. Большими темпами развивается музыкальное искусство, формируется национальная композиторская школа, соответствующая требованиям того времени, а также закладываются некоторые основы современной музыки, определившие её дальнейшее развитие. Что касается конкретно литературы, то для неё характерны были обличительные мотивы, что в наибольшей степени проявляется в комедиях Фонвизина. Появляется всё больше профессиональных писателей, устанавливается иерархия жанров, усиливается интерес к народному творчеству, как и в музыке. Стоит отметить тот факт, что позиции классицизма к концу века начинают ослабевать, уступая место реалистическим тенденциям. Наука, как и многие другие области культуры, поднимается на новую ступень развития, способствует укреплению капиталистического уклада. Организовывается всё больше экспедиций, исследования русских учёных достигают уровня мировой науки. Можно сказать, что культура России второй половины XVIII века отражает те преобразования, которые имели место в социально-экономической сфере. Большое влияние на формирование культуры оказали некоторые европейские тенденции, а также идеи просветительства. Именно в этот период, когда в стране начинают развиваться естественные науки, идет формирование русского литературного языка, появляется система научно-технических терминов. На мой взгляд, достижения во всех областях культуры, в том числе образования, способствовали расцвету многих сторон жизни общества в начале следующего столетия, заложили необходимые основы для того, что мы сегодня называем «золотым веком»русской культуры. [1] Ордер – определённое сочетание несущих и несомых частей стоечно-балочной конструкции, их структура и художественная обработка. [2] Тектоника – сочетание частей в одном стройном целом, композиция. [3] См. с. 53 в книге: История русского искусства: Учебник /Ин-т живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина ордена Ленина Акад. художеств СССР; Под ред. И. А. Бартенова, Р. И. Власовой. – 3-е изд., перераб. и доп. – М.: Изобраз. искусство, 1987. – 400 с., ил. [4] См. с. 54 там же. [5] Цит. по: История русского искусства: Учебник / Ин-т живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина ордена Ленина Акад. художеств СССР; Под ред. И. А. Бартенева, Р. И. Власовой. С. 56. [6] Скульптурные группы, стоящие по сторонам центральных ворот Адмиралтейства (см. с 58 в книге «История русского искусства»). [7] Терракота – обожжённая цветная глина; неглазурованные керамические изделия с пористым черепком; разновидность керамики. [8] Медальерное искусство – искусство изготовления форм для монет и медалей. [9] Камерные портреты – портреты, предназначенные для узкого круга зрителей. [10] Рефлекс – оттенок цвета, возникающий при падении на предмет света, отражённого от других объектов. [11] Офорт – способ изготовления гравюры, при котором рисунок процарапывают иглой в слое кислотоупорного лака, покрывающего металлическую пластину, процарапанные места протравливаются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. [12] Эстамп – оттиск, отпечаток, станковая гравюра. [13] Каннелюры – вертикальные желобки. [14] Воронение – термическая обработка в горне при разных температурах. [15] См. с. 317 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [16] Мизансцена – расположение актёров на сцене в тот или иной момент времени. [17] См. с 334 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [18] См. с 337 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [19] См. с. 357 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [20] Сюита – инструментальное циклическое музыкальное произведение из нескольких контрастирующих частей, объединённых общим художественным замыслом. [21] См. с. 364 – 365 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [22] См. с. 364 там же. [23] Опера-буффа – оперный жанр, итальянская разновидность комической оперы на бытовой жанр. [24] См. с. 371 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [25] См. с. 373 там же. [26] См. с. 374 – 375 там же. [27] См. с. 238 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [28] См. с. 246 там же. [29] См. с. 266 там же. [30] См. с. 29 там же. [31] См. с. 36 – 37 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [32] Рефракция – преломление светового луча в атмосфере. [33] См. с. 37 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. [34] См. с. 39 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с. Корпускула (< лат. corpusculum тельце) – очень малая частица вещества. [35] Адсорбция – способность некоторых веществ поглощать всевозможные примеси. [36] См. с. 48 в книге: Очерки русской культуры XVIII века: Ч. З: Наука. Общественная мысль / Под ред. академика Б. А. Рыбакова. – М.: МГУ, 1988, 400 с.